ARTE EN ESPACIO PUBLICO

Shuttlecock/Blueberry Pies I and II (detail), 1999

Apple Core, Israel Museum Art Garden

Spoonbridge and Cherry, 1985-1988
aluminum, stainless steel, paint

ANISH KAPOOR, THE CLOUD GATE. 2004-2006





Para el filósofo francés  Michel Foulcault, el espacio es la dimensión más 
significativa para la humanidad contemporánea. Hoy en día el espacio se concibe a partir 
del tipo de uso que le dan las relaciones sociales  que en él se llevan a cabo. En el 
espacio “contemporáneo”, una acepción fundamental para las prácticas comunicativas es 
la del espacio público, un escenario virtual que se forma originado en la interacción de los 
habitantes de una ciudad. 


 Para Jugen Habermas, el espacio público, para ser definido como tal, debe ofrecer 
las siguientes características: 


La “inclusividad”, es decir, que este espacio es accesible para todos sin distinción. 
Carácter igualitario. No sólo tiene acceso a él cualquier persona, sino que además, 
en su interior, nadie tiene prioridad sobre alguien, se comparte por todos los 
participantes desde una posición igualitaria. 
 
Se refiere a la apertura, en el sentido  de que cualquier asunto, sin 
restricción, puede ser lanzado a discusión entre todos los participantes del espacio 
público. 

Su función principal radica en poder albergar una verdadera discusión heterogénea 
y simultáneamente accesible para todas las perspectivas. El espacio público juega un 
papel esencial en la comunicación entre ciudadanos, se encuentra, por definición, libre de 
intereses exclusivos (aunque la contaminación publicitaria parece atentar contra este 
punto). Su facilidad y rapidez de acceso permite el intercambio de discursos de distinta 
naturaleza, forma y contenido.

El arte público ha sido desde hace tiempo una parte relevante del desarrollo de las artes en varias partes del mundo y en diversas épocas. Empezando por las catedrales góticas de la edad media. La relevancia del arte público hoy en día se da, como una lucha entre la estancia del arte en sus antiguos establecimientos: museos, galerías, salones privados, etc. Sin que sea posible el disfrute de ellos por el resto de la sociedad.

El arte público se ha caracterizado por poseer una gran fuerza política, esto es básico, pues al ser y estar destinada a un espacio público, se convierte en una practica política.

Pero quizás la fórmula más contemporánea de una nueva burocracia estética llevada a cabo con fines políticos ha sido la de concebir la totalidad de la ciudad como un museo al aire libre –en concordancia con nuestra cultura del ocio y del espectáculo. La idea de modernidad está inextricablemente ligada a la idea de museo.

Durante las últimas cuatro décadas, el programa fundamental de estos artistas ha consistido en subrayar su distanciamiento crítico con respecto a la autonomía del arte, comprometiéndose en los retos estratégicos de las estructuras de la ciudad y proponiendo una transformación crítica de la cultura desde dentro, inmersa en el debate público desde la propia ciudadanía (para ello se apropian de los medios de comunicación, exploran el entorno, la educación, el espectáculo, la propia Institución del Museo, etc.)

Figueroa, Fernando: Graphitfragen. Reflexiones estéticas y éticas sobre el Graffiti 

contemporáneo. Minotauro digital, 2006. 

RENACIMIENTO

Renacimiento es el nombre dado a un amplio movimiento cultural, que se produjo en Europa Occidental en los siglos XV y XVI. Sus principales exponentes se hallan en el campo de las artes, aunque también se produjo una renovación en las ciencias, tanto naturales como humanas. Italia fue el lugar de nacimiento y desarrollo de este movimiento.

El Renacimiento es fruto de la difusión de las ideas del humanismo, que determinaron una nueva concepción del hombre y del mundo.

El nombre «renacimiento» se utilizó porque éste retomaba los elementos de la cultura clásica. El término simboliza la reactivación del conocimiento y el progreso tras siglos de predominio de un tipo de mentalidad dogmática establecida en la Europa de la Edad Media. Esta nueva etapa planteó una nueva forma de ver el mundo y al ser humano, el interés por las artes, la política y las ciencias, sustituyendo el teocentrismo medieval por ciertoantropocentrismo.

Caracteristicas:

 Se pueden establecer las características del Renacimiento en:

• La vuelta a la Antigüedad. Resurgirán tanto las antiguas formas arquitectónicas, como el orden clásico, la utilización de motivos formales y plásticos antiguos, la incorporación de antiguas creencias, los temas de mitología, de historia, así como la adopción de antiguos elementos simbólicos. Con ello el objetivo no va a ser una copia servil, sino la penetración y el conocimiento de las leyes que sustentan el arte clásico.

• Surgimiento de una nueva relación con la Naturaleza, que va unida a una concepción ideal y realista de la ciencia. La matemática se va a convertir en la principal ayuda de un arte que se preocupa incesantemente en fundamentar racionalmente su ideal de belleza. La aspiración de acceder a la verdad de la Naturaleza, como en la Antigüedad, no se orienta hacía el conocimiento de fenómeno casual, sino hacía la penetración de la idea.

• El Renacimiento hace al hombre medida de todas las cosas. Presupone en el artista una formación científica, que le hace liberarse de actitudes medievales y elevarse al más alto rango social.

Los supuestos históricos que permitieron desarrollar el nuevo movimiento se remontan al siglo XIV cuando, con el Humanismo, progresa un ideal individualista de la cultura y un profundo interés por la literatura clásica, que acabaría dirigiendo la atención sobre los restos monumentales y las obras literarias y tratados clásicos.

FERNANDO BOTERO

Fernando Botero Angulo es un pintor y escultor colombiano nacido el 19 de  abril de 1932 en Medellin - Colombia. Es considerado el artista vivo originario de Latinoamérica más cotizado actualmente en el mundo; Fernando Botero es el artista plástico colombiano con mayor reconocimiento internacional.  

El agrandamiento y la deformación de los volúmenes en un estilo plenamente figurativo, nos entrega representaciones de animales, personas y paisajes corpulentos como su rasgo indistinto. En sus primeras obras, desde cuando realizaba ilustraciones para el periódico El Colombiano, su obra abarcaba retratos, paisajes y escenas costumbristas, con una de las cuales (Frente al mar, óleo) ganó el segundo premio del IX Salón Nacional de Artistas Colombianos que le permitió viajar a Europa y conocer de cerca la obra de Goya y Velázquez y más adelante ahondar en el renacimiento italiano, que repercutirían en el artista para tratar problemáticas humanas y sociales como la muerte y la violencia.

Sus esculturas han tenido el lujo de estar en las avenidas y plazas más famosas del mundo: los Campos Elíseos en París, la Quinta Avenida en Nueva York, el Paseo de los Recoletos en Madrid, la Plaza de la Señoría en Florencia y hasta en las Pirámides de Egipto, por mencionar algunos.

Su obra pictórica forma parte de colecciones permanentes en países tan diversos como Austria, Argentina, Corea del Sur, Estados Unidos, Rusia y Japón, convirtiéndose así, desde la década del 80, en uno de los artistas vivos más cotizados.

Obras más reconocidas

• “Abu Ghraib”, serie de pinturas sobre las torturas realizadas por los marines en Irak.
• "El atelier de Sánchez Cotán", óleo sobre lienzo. Colección Particular, Bogotá.
• "Cámera degli sposi I" u "Homenaje a Mantegna I" (versión de 1958), óleo sobre tela.
• "Contrapunto", óleo sobre tela. Colección Museo Nacional de Colombia, Bogotá.
• "En rojo y azul" o "Mandolina" (1957), óleo sobre tela. Colección de Arte del Banco de la República, Bogotá.
• "La apoteosis de Ramón Hoyos", óleo sobre tela. Colección particular de Fernando Botero.

• "Los obispos muertos" (1958), óleo sobre tela. Colección Museo Nacional de Colombia, Bogotá.
• "Mujer con espejo" (1987), bronce fundido. Escultura al aire libre, Paseo del Prado, Madrid.
• "La Muerte de Pablo Escobar", oleo sobre lienzo, Museo de Antioquia.

  

VÍDEO:

QUE ES ARTE?

El arte es el uso de la habilidad y la imaginación, para crear objetos, experiencias, melodías o entornos con el fin de lograr el placer estético en el observador. Se dice tradicionalmente que el arte alimenta el alma, y quienes realizan esta afirmación no se equivocan. Al ver una obra de arte, uno se siente conmovido por ella, y puede llegar a sentir que se está transportando a otros lugares y tiempos, reales o imaginarios; el arte provoca sobrecogimiento. Se dice que la capacidad de distinguir lo hermoso de lo feo es una habilidad humana innata, pero la verdad es que los valores estéticos cambian de cultura en cultura, y algunos pensadores se han referido a la definición del arte como uno de los problemas más grandes de la filosofía; por lo mismo el arte y su percepción siempre serán subjetivos.

Desde la edad clásica y mucho antes, se viene practicando el arte en sus diversas modalidades y expresiones. Ya los primeros humanos con inteligencia, dibujaban en las cavernas su interpretación de la realidad de manera tanto externa (tal como se presenta a los sentidos) como interna (sus apreciaciones subjetivas de la realidad, usando símbolos y representaciones abstractas); incluso investigaciones modernas afirman que el origen de arte es entópico, esto es, deriva de experiencias subjetivas o internas de los chamanes de la época que volcaron de manera gráfica sus percepciones. Desde esos comienzos, hasta el día de hoy, el arte trata de reflejar, lo que somos y lo que estamos viviendo.

 Los clásicos, era rigurosos con las formas humanas. El hombre era el centro. Luego se fueron desarrollando lo románico, lo bizantino, el renacimiento, el barroco, el realismo, el surrealismo, etc. Son muchos los estilos de arte que se han desarrollado, pero cada uno de ellos, ha maravillado y tocado a sus contemporáneos, justamente porque el arte desde cierto punto de vista tiene un valor dual: por una parte representa e identifica un estado temporal o específico de lo que viven la sociedad y las personas, y por otra parte el arte tiene un valor universal rescatando la inmutable naturaleza humana, sus sueños, esperanzas, alegrías y tristezas.

Con el pasar de los siglos, se fue depurando el concepto de arte. Sobretodo la visión que se tenía, en cuanto a su exposición y el valor comercial que se podía llegar a explotar y ya para fines del siglo XVII, se comenzó a conceptuar la idea de exponer masivamente las obras de arte, con un objetivo recreacional y, al mismo tiempo, comercial. Al mismo tiempo, surgieron las primeras escuelas serias y masificadas, para que los interesados y sobretodo, dotados, pudieran aprender las técnicas necesarias como para convertirse en verdaderos maestros de su oficio.

MUSEO DE ARTE MODERNO

De este museo me gusto mucho la sala SORTILEGIO , en memoria a Germán Alonso García, por que son obras expuestas de una manera diferente a lo que siempre observamos a los museos, a lo cotidiano, estas son obras salidas de lo común.

esta sala es una mezcla de Conjuro, hechizo, embrujo, magia, adivinación, videncia, premonición, liturgia, milagro, oráculo, profecía, sanación, catarsis, secreto, transformación, constitución, superstición, encanto, fascinación, seducción, ilusión, brujería, truco, mentira, persuasión, beneficio y maleficio, rezo, nigromancia, ocultismo, fabulación, trampa, ensalmo, exorcismo, suerte.

La otra sala se llama MALICIA INDÍGENA, recipientes cerámicos de los Alzate y de Pedro Manrique Figueroa, esta trata vincula una serie de acontecimientos verídicos ocurridos en Medellín: la existencia de una colección de cerámicas precolombinas falsificadas por la familia Alzate a finales del siglo XIX y principios del XX, el Festival de Ancón en el municipio de Caldas en 1971, la realización del Primer Coloquio Latinoamericano de Arte No Objetual y Arte Público en 1981 y la aparición del fenómeno del narcotráfico a principios de la década del ochenta en todo el país. Un par de elementos, donde los límites entre realidad histórica y ficción se mezclan, vienen a completar el ya heterogéneo listado de elementos: la obsesión de Pedro Manrique Figueroa, el precursor del collage en Colombia, por el caudillo nacionalista Gilberto Alzate Avendaño (1910-1960) y el interés por las representaciones escultóricas de figuras políticas internacionales del totalitarismo, como Hitler, Stalin, Mussolini, Franco.

 Los personajes mezclan el relato histórico y la novela: Manrique, los Alzate, el experto Leocadio María Arango, el poeta Elkin Retrepo  Gonzalo Caro, Alzate Avendaño, historiadores del arte, críticos, editores, ensayistas, guaqueros y falsificadores pueblan esta fábula construida con piezas de barro, documentos y algo de esa malicia indígena, siempre visible en el montaje artístico local.

Malicia indígena, recipientes cerámicos de los Alzate y de Pedro Manrique Figueroa es un acto soberano de la imaginación donde se nos dice que el oficio artístico (y su vecino, el expositivo) pueden tener en la invención una de sus fuentes más perdurables. Una exposición para leer y observar, para mirar de cerca y después alejarse, para establecer relaciones cruzadas entre épocas históricas. Una exposición que sale y entra en la ficción alternativamente, que crea marcos y luego los destruye, que puede adquirir la apariencia de la realidad documental más contundente, pero a la vez utilizar las técnicas más alabadas del engaño.

Tome unos parrafos del ensayista critico Efrén Roldan.

Otras obras que están en el museo son estas:

MUSEO DE MEDELLIN

En este vídeo podemos ver las personas que están detrás del museo ( los trabajadores), las que hacen que el museo este en pie, dando un muy buen aspecto y comodidad a los visitantes.

Este museo se encarga de mostrarle a la sociedad lo que significa el valor del arte, que muchas personas por falta de cultura y de educación han perdido, o nunca lo han tenido; aquí se exponen muchas obras que tienen trasfondos en todos sus ámbitos, ya sea político, social, económico, cultural, religioso entre otros temas, desde la distinta óptica de sus autores.

Para poder acercar a la comunidad al arte, tenemos que implementar estrategias que permitan el buen funcionamiento de los objetivos de comunicación, y de educación que tiene el museo a través de la innovación, para que puedan comprender las distintas alternativas, viendo y abstrayendo distintas culturas y aprendizajes ya desde nuestro propio punto de vista.

Alberga muchas obras de distintos artistas nacionales e internacionales , en especial de Fernando Botero como esculturas, bocetos, cuadros , entre muchos mas; Alrededor de este museo, que esta muy bien ubicado, encontramos el parque berrio, la estación de metro, la primera parroquia de Medellín, muchos sitios importantes de la ciudad de Medellín, el cual a muchas personas les queda en una ubicación adecuada, ya que llega cualquier tipo de transporte, para poder ir a admirar las obras que expone el museo.

A lo que quiero llegar es que el fin y el objetivo de estos museos es el de promover la interacción, generando así la participación de todos, propiciando el desarrollo a la sensibilidad, generando así distintos pensamientos e ideas, disfrutando de una forma que sin darnos cuenta vamos adoptando, y ya no veriamos el arte de forma aburrida, si no ya con un sentido;  teniendo en cuenta unas dimensiones como    lo son la estética, la ética, la política y lo social, que va orientado al respeto, el respeto de la diversidad, para llegar a la búsqueda de medios para dar apertura a espacios más democráticos, con la identificación de los derechos y deberes como ciudadanos.

ubicación:

VISITA MUSEO EL CASTILLO

El Museo El Castillo es el vestigio de una época y de una generación de antiqueños ilustres y adinerados.Fue construido en 1930 inspirado en los castillos del Valle del Loira en Francia y desde 1943 se convirtió en la residencia de don Diego Echavarría Misas y familia.

Toda la elegancia de la época se encuentra en este museo. En sus dos pisos conservan las más finas expresiones del arte universal, dispuestas por don Diego Echavarría y su esposa doña Benedikta Zur Nieden, de origen alemán.

El recorrido por el Museo El castillo se hace por 14 estancias. Entre ellas se encuentra el Salón Luis XV, la Sala de Música, el Salón Colonial, el Hall de las Azaleas, el Salón de los Gobelinos y el comedor, todos ubicados en el primer piso. En el segundo piso están los dormitorios principales, la biblioteca y el pasillo de las monturas y las vitrolas.

Aparte de sus exposiciones, El Castillo también cuenta con una Escuela de Arte en la que se dictan cursos y talleres sobre todas las manifestaciones del arte. 

Autores representantes del inicio de la fotografia

LA FOTOGRAFIA EN EL SIGLO XIX

En 1816, en el siglo XIX,  se resaltan muchos nombres de artistas que contribuyeron al arte en este siglo, pero en especial voy hablar Nicéphore Niépce , Louis Jacques Mandé Daguerre,  William Henry Fox Talbot, y terminando con John Eilliam Herschel ( el que termino la estocada final dándole como nombre “fotografía” a las imágenes fijas )  y de lo que hicieron y descubrieron estos hombres lo que dio inicio a los distintos procedimientos fotográficos utilizados, empezando por el daguerrotipo, y el calotipo.

 El nacimiento de  la fotografía inicio atraves de Nicéphore Niépce, un  francés que fue el primero en conseguir fijar una imagen 1826 mediante la a utilización de la cámara oscura y un procedimiento fotoquímico. El cual llamo a este preceso con el nombre de heliograbados ; En 1829 se asoció con Daguerre, este fue el primer divulgador de la fotografía, en esta sociedad firmaron un contrato , en el que Daguerre reconocía que Niepce había encontrado un nuevo procedimiento para fijar, sin necesidad de recurrir al dibujo, las vistas que ofrece la naturaleza, que llevo a que consiguieran  el perfeccionamiento de la cámara oscura, el cual estas fotografías en planchas eran recubiertas con una capa sensible a la luz de yoduro de plata. Después de exponer la plancha durante varios minutos. como dato  Daguerre empleó vapores de mercurio para revelar la imagen fotográfica positiva. Estas fotos no eran permanentes porque las planchas se ennegrecían gradualmente y la imagen acababa desapareciendo.

Otro artista fue William Henry Fox talbot , Inglés, fue uno de los pioneros en el ámbito fotográfico tambien, ya que fue el inventor del proceso negativo-positivo en la década de los años 30, antes que el daguerrotipo, tal proceso consistía en conseguir una imagen (positivo), a través de un original (negativo). Este proceso se le llama calotipo, y a diferencia con el daguerrotipo, es que esta era una única reproducción en soporte de plata, el cual requería exposiciones de unos 30 segundos para conseguir una imagen adecuada en el negativo.

Tanto Daguerre como Talbot hicieron públicos sus métodos en 1839. Ese mismo año John Eilliam Herschel da el nombre de fotografías  a las imágenes fijas.

Para terminar en esa epoca se dio paso a la fotografía en color  pero no tuvo éxito en aplicaciones comerciales, por su imperfección. Los experimentos iniciales no fueron capaces de conseguir que los colores se quedaran fijados en la fotografía. Una primera fotografía en color fue obtenida por el físico James Clerk Maxwell en 1861.

googleartproject

http://www.googleartproject.com/museums/reinasofia/coffee-grinder-cup-and-glass-on-a-table-168